Astralia, en una imagen promocional | Bandcamp de Astralia
Podría decirse que Astralia lo han vuelto a hacer y que, a las buenas sensaciones dejadas con su disco de debut Atlas, presentado en 2014, se han sumado ahora las dejadas por Solstice (Aloud Music, 2017), disco que están defendiendo este curso, con el que han dado un paso más en su sonido, haciendo de su escucha una experiencia sensitiva que no podemos dejar de recomendar. Los de La Floresta han entregado aquí seguramente su obra más ambiciosa hasta el momento, y lo han hecho firmando uno de los trabajos en materia post rock instrumental más notables del curso, un trabajo al que la edición en vinilo de Aloud Music, sello encargado de su distribución global (A Thousand Arms se encarga de la misma en Estados Unidos) le hace justicia, y que irán presentando por diferentes ciudades, con fechas ya confirmadas en Lyon o Zurich.
Gracias al buen hacer de Aloud Music pudimos charlas con ellos tras el concierto de presentación en Barcelona, celebrado el pasado mes de mayo en la sala BeGood. Lo que sigue es una charla acerca de Solstice, trabajo del que recomendamos efusivamente su escucha.
TEXTO: R. IZQUIERDO | FOTOGRAFÍA: ASTRALIA
En una entrevista para Keep and Open Mind apuntabais el carácter conceptual del disco, todo lo que se armaba tras Solstice. ¿Es un modus operandi habitual para vosotros? ¿Cómo os gusta trabajar esa unidad conceptual de cada obra?
R: Por la forma que tenemos de entender la música instrumental, creo que es bonito y muy necesario darle este plus. Para nosotros tiene que ser algo más que una recopilación de canciones. Tampoco creo que sea un disco conceptual al uso, donde la música nace a partir de un concepto, sino algo entremedio. Hemos buscado el marco más adecuado para lo que sentíamos que nos transmitía la música, y hemos amoldado las dos partes para que encajen. No es fácil pues el tipo, variedad y orden de las canciones es fundamental. Has ahora lo solemos hacer así; igual con Atlas.
¿Y qué buscabais transmitir con ese solsticio? ¿Cuál es el mensaje que hay detrás del álbum?
R: Nos gustó el concepto tradicional del solsticio como el momento de purificación del espíritu. Cada parte del disco nos habla del camino del hombre, desde su creación o nacimiento pasando por su plenitud y posterior declive, hasta llegar a esta catarsis.
Supongo que es una coincidencia pero los dos temas más largos, por poco, creo que son los más significativos también. Detachment fue el single de presentación y era sintomáticamente más oscuro. ¿Creéis que puede marcar un punto de inflexión en vuestro sonido? ¿Qué importancia le dais en la estructura del disco?
R: Creemos que ‘Detachment’ es sin duda una piedra fundamental para entender el disco, tanto conceptualmente como musicalmente, y como bien apuntas está en una posición/parte muy importante del disco/camino. Nos habla del espíritu errante, ahogado de ego, que debe retomar el camino que ha perdido; debe deshacerse de todo aquello que le bloquea y le sujeta y encontrar la paz. Sé que suena todo muy abstracto, pero creo que musicalmente, si te dejas llevar, te puede transmitir estas sensaciones. La canción es un largo crescendo, con tintes oscuros, muchas capas y texturas… que acaba en un clímax explosivo. Efectivamente en este disco hemos experimentado con harmonías oscuras y neutras, al igual que también luminosas… creo que liga bien con la idea del disco: no todos los caminos son –ni deben ser- bonitos, perfectos. Nuestros recuerdos también pueden estar llenos de tristeza y pena. Todo nos ayuda a aprender y a ser quien somos.
El otro tema al que hacía referencia es al que cierra el álbum, ‘Solsitce’. Es un tema con una atmósfera más ligera, con momentos muy ascendentes. ¿Cómo ordenáis el setlist de presentación? ¿Mantenéis el mismo orden?
R: Sería bonito pero el directo es diferente, es otro sistema. Solemos cambiar el orden para poder conducir mejor el set. El directo te obliga a ser más práctico, e intentar que el público no pierda la atención y que se vaya con buen regusto de boca. Además, también introducimos alguna canción anterior, por lo que al final tienes que encajarlo todo de la manera más óptima y eficaz posible.
En la introductoria Exhale ya se intuye ese viraje a lo oscuro que comentábamos en Detachment. ¿Qué podéis contarnos de ella?
R: Es la canción que abre el disco y nos habla del inicio (nacimiento/creación) del hombre y nuestro camino/universo. También es con la que abrimos nuestros conciertos. Es una de mis preferidas, personalmente.
En un par de críticas he leído valoraciones muy positivas para ‘Farewell and encounter’, calificándola como una de las más importantes del álbum, algo con lo que estoy bastante de acuerdo. ¿Os ha sorprendido la recepción de alguna canción en concreto?
R: ‘F&E’ es una canción que trabajamos muchísimo, hasta el último momento. Además tiene un texto recitado en la parte central, que le da un toque diferente a todo lo que veníamos haciendo. Ciertamente parece que es una de las que más ha gustado. Ha sido una grata sorpresa. Nos suelen felicitar por ‘Abyss of Light’ también. Creo que son las dos que más han gustado y soprendido. Esto es algo que nunca sabes.
¿Qué podéis contarnos del proceso de composición previo a la grabación del álbum? La estructura del álbum, ¿surgió de manera natural?
R: Como solemos hacer, juntamos ideas y canciones y luego junto con un marco conceptual seleccionamos las canciones que funcionan mejor y que quede los más perfecto y redondo según nuestro criterio. Solemos descartar algunas canciones y muchas ideas. Pero, respondiendo tu pregunta, digamos que la composición surge de manera natural, y luego le damos un ayuda para montar el puzle.
Siendo una formación de base instrumental vuestra presencia en Aloud se entiende como muy natural. ¿Qué importancia tiene para vosotros el hecho de estar con un sello con tanto feedback en la música instrumental?
R: Estar en Aloud nos ha cambiado para siempre. Te sientes que formas parte de un proyecto, de una familia y te sientes valorado. Eso indirectamente te pone las pilas para seguir adelante y mejorar cada día. Desde Aloud siempre hemos tenido un apoyo incondicional desde el primer momento, por lo que solo podemos tener palabras de agradecimiento, y trabajar duro el día a día para devolver la confianza. Ellos nos ayudan a llegar donde nosotros no podemos y, si la banda crece, todos ganamos: banda, sello, escena musical.
Propuestas como el AMF han hecho mucho por asentar la música instrumental en nuestra ciudad. ¿Con qué bandas o proyectos os sentéis más próximos? ¿En qué han ayudado esos vínculos para tocar dentro y fuera de nuestro país?
R: Son muchas las referencias musicales que tenemos tanto nacionales como internacionales. Seguramente, el género del post-rock e instrumental se ha consolidado más rápido en el extranjero por lo que el feedback que tenemos de fuera es mucho mayor, a nivel de ventas, escuchas, etc… Esto indirectamente te anima a dar el paso y salir fuera a tocar, pues a nivel de público, festivales, etc. es mucho más accesible. Pero sin duda tener cada año un festival como el AMF es una bendición, para todos: dinamiza mucho la escena y ayuda a consolidarla, genera expectativas y hace prosperar a la cantera de nuestro país. Sin Aloud y el AMF, hoy en día, estaríamos hablando de otra cosa.
Con Atlas, también después, habéis girado bastante. ¿Cómo organizáis vuestras giras?
R: Yo siempre digo que sin internet Astralia no existiría. Internet ha revolucionado todo, a todos los niveles, los imaginados y los inimaginables. Gracias a internet y las redes sociales nosotros hemos podido organizar giras, merchandising, pre-ventas etc… A la pregunta de ¿cómo lo hacemos? pues trabajando muchas horas y teniendo mucha paciencia. Somos muy del DIY. Hay muchísimo trabajo sucio que no se ve, pero con ganas y paciencia (mucha) se puede hacer.
El disco es vuestra tercera referencia, tras el debut en 2012 y la salida en 2014 de Atlas. ¿En qué creéis que ha evolucionado más vuestro sonido? ¿Cómo véis desde dentro la progresión del sonido Astralia?
R: Yo veo que cada vez nos conocemos mejor, y cada vez tenemos más claro qué queremos y como lo queremos. Seguramente la evolución más notoria en el sonido es en las dinámicas -algo que nos obsesiona bastante- y en obtener sonidos más envolventes. Todo ello intentando seguir siendo fieles al “menos es más” y no sobreproducir en exceso los discos, cosa que detesto.
El hecho de que Atlas tuviese un impacto como el que tuvo, ¿creéis que marca vuestra carrera? ¿Solstice hubiese sido diferente sin todo el feedback generado con vuestro trabajo anterior?
R: Totalmente. Atlas nos catapultó a donde estamos ahora y generó las bases y seguidores de este proyecto. Es algo natural, pero que nunca esperas que te pase a ti. Es muy bonito mirar atrás y ver la evolución.
La edición física está muy cuidada. ¿Qué importancia le dais a lo físico?
R: Al igual que lo musical, como lo conceptual, creemos que el arte tiene que estar a la altura. El físico es muy importante. A parte de que es tu principal fuente de ingresos, creas un vínculo con los fans. Con el resurgimiento del vinilo se ve muy claro. Los fans aprecian muchísimo que el sonido esté bien cuidado, que el prensado sea bueno, y que el artwork sea bonito. Incluso que el color del vinilo pegue con la carátula! Algunos incluso coleccionan diferentes ediciones. Todo detalle es importante para que la experiencia sea total.
Me gustaría acabar hablando del art-work. ¿Qué podéis contarnos de la línea visual del disco?
R: Todo el art-work fue a cargo de Manuel Cantero (Procesonegro Art Studio). Es un trabajo exquisito y con un gusto y sensibilidad extraordinarios. La verdad es que estamos súper contentos con el resultado. El arte refleja el concepto de purificación a través del solsticio.